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2003, Brussels, Don Giovanni

Don Giovanni


Composer: Wolfgang Amadeus Mozart
Librettist: Lorenzo da Ponte
Venue and Dates: Theatre Royale de La Monnaie, Brussels
2,  4, 7m, 9, 11, 13, 16, 18, 19, 20, 21m, 23, 26, 27, 28m, 30, 31 December 2003
Conductor: Kazushi Ono
Director: David McVicar
Sets & Costumes: John Macfarlane
Lighting: Jennifer Tipton


Don Giovanni: Simon Keenlyside (2,  4, 7m, 9, 11, 13, 16, 18, 20, 23, 26, 28, 31)
Unberto Chiummo (19, 21, 27, 30)
Leporello: Lorenzo Regazzo (2, 4, 7, 9, 11, 13, 16, 20, 23, 26, 28)
Petri Lindroos (18, 19, 21, 27, 30)
Donna Anna: Carmelia Remigio (2, 4, 7, 9, 11, 13, 16, 23, 26, 28, 31)
Alexandrina Pendatchanska (18)
Elzbieta Szmytka (19, 21, 27, 30)
Alketa Cela (20)
Donna Elvira: Malena Ernman (2, 4, 7, 9, 11, 13, 16, 23, 26, 28, 31)
Solveig Kingelborn (18, 20)
Nataliya Kovalova (19, 21, 27, 30)
Don Ottavio: Charles Workman (2, 4, 7, 9, 11, 13, 16, 18, 19, 20, 23, 26, 27, 28, 30, 31)
Jonas Degerfeldt (21)
Commendatore: Gregory Frank (2, 4, 7, 9, 11, 13, 16, 18, 20, 23, 26, 28, 31)
Rafal Siwak (19, 21, 27, 30)
Zerlina: Tatiana Lisnic (2, 4, 7, 9, 11, 13, 16, 20, 23, 26, 28, 31)
Sophie Karthauser (18, 19, 21, 27, 30)
Masetto: Taras Konoshchenko (2, 4, 7, 9, 11, 13, 16, 18, 20, 23, 26, 28, 31)
Pierre Doyon (19, 21, 27, 30)
Orchestre Symphonique de la Monnaie and Choeurs de la Monnaie. Renato Balsadonna (choirmaster)

Notes: A co-production with San Francisco Opera, in collaboration with Grand Théâtre de la ville de Luxembourg and Opéra de Lille.

Rehearsal shots

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Click on the two options below to see video clips from this production.

“La ci darem la mano”


Compilation (needing Macromedia Flash Player 6 or more)


Performance shots










Extract from Margo Briessinck’s Letter from Brussels, December 2003, for Opera Japonica


“It would be difficult to choose between Simon Keenlyside or Umberto Chiummo. Both singers portrayed a splendid Don Giovanni, be it very differently. Chiummo’s voice is darker and more robust than Keenlyside’s. This resulted in a different interpretation.  Keenlyside was the seducer throughout, while Chiummo was more of a hunter. This was most notable in the scene with Zerlina which culminates in ‘La ci darem la mano’. Keenlyside’s Don enjoyed the courting and lightened his voice to make it sweeter. Chiummo’s Don was trying to get this part over with as fast as possibly, so that he could put another mark in the ‘catalogo’ of his conquests. When he was addressing Zerlina, he was as seductive as Keenlyside, but when Zerlina wasn’t looking at him, he made it clear with facial expressions that he wasn’t particularly interested in her seduction.”


A sizzling review by Anthony Holden for the Observer, December 7, 2003


“… with Simon Keenlyside threatening to look (and sound) definitive in Mozart’s title role.”

“McVicar starts as he means to go on, having Keenlyside’s half-naked Don raping Anna as her father responds to her screams. This Giovanni really does then interrupt Zerlina’s wedding to Masetto, turning a party into a wake. This groom really is about to strike his bride when she sings: ‘Batti, batti.’ This Elvira, who has long since taken to drink, for once shows more pained disbelief than her companions at the unmasking of Leporello; her ‘Mi tradi’ takes on a whole new dimension of outrage. And, as the final scene begins, how many Dons before the athletic Keenlyside could jump on to that pheasant-laden dining table – yes, while singing – from a standing start?”

“Keenlyside’s Don is majestic, bad-boy toff enough to give good breeding a bad name, with a voice like liquid gold.”


«Don Giovanni», presenting the corpse.
Martine D.Mergeay, La Libre Belgique, published online 4th December 2003.

http://www.lalibre.be/article.phtml?id=5&subid=104&art_id=144618 Translated by Jane Garratt

At La Monnaie, David McVicar takes tension to its peak. A fiery cast carried along by Simon Keenlyside.

The new production of Mozart’s masterpiece, which opens on the 2nd December at La Monnaie, is destined to go down in the history of the house because of its vitality, its accomplished theatricality and its bold orchestration.

Yet, seeing the “decoration” of the proscenium (which the audience on the first night had a long time to contemplate during the wait for Prince Philipe and Princess Mathilde) one could worry: below the caved-in pavement bordered with skulls and bones, a cemetery was quickly revealed, the type found in a village, little by little becoming familiar, with its monuments and its moving walls, standing out sharply against a stormy sky. The image imagined by John McFarlane (who notably made his mark with “Peter Grimes” by Benjamin Britten, another memorable production) is that of a painter: each scene is a picture, each backcloth a sky, worthy of the most sublime Caravaggio, if Caravaggio could have expressed with as much eloquence the force of grey and black. In effect an almost monochrome decoration  (if black is a colour), where some touches of white – Zerlina’s dress, Don Giovanni’s shirt -, of red or of fire, and Jennifer Tipton’s lighting, could not have made a more powerful expression.

Death and vitality.

In this environment dominated by death – a tangible death, unbiased, sedimentary – the insolent vitality of Don Giovanni arises, presented like a predatory animal (a beautiful animal in this case), agile, violent, elusive. A wildcat, putting the same energy into seduction as into killing, or into eating, with a sensuality and a sort of jubilant innocence which makes him even more dangerous: the murder of the Commendatore is savagely shattering (it’s lucky that the “drama” is “giocoso”), the finale “cena” is similar.

The misadventures of Orpheo.

In this production, the Scot David McVicar produces an accomplished work, at the same time having a coherent dramatic and psychologic vision, and investing in the smallest details. Sticking to the text of the libretto more than the music he makes sense of both: as an example, rarely has the relationship between Anna and Ottavio been so shrewdly analysed, and, taken more as a whole, every person endowed with such humanity. All are placed in a macabre and grating universe, McVicar has faith in them, Don Giovanni included, it is this which makes his vision – diluted by the beauty of the scenery – so enthusiastic and so fair. All the way to the final denouement and his overwhelming climax of the “pieta”. All this is made possible thanks to the dream cast – sometimes more on the theatrical plan than the vocal – which the holder of the title role, Simon Keenlyside, (who played “Orfeo” for Jacobs) fires up, driving [the action] from one end of the stage to the other. Among the McVicar regulars one finds the beautiful Malena Ernman, Elvira, captivating but lacking brilliance on the high [notes], and the excellent (although he had a cold) Loranzo Regazzo as a crafty and tender Leporello. Carmela Remigio – [with] a small but well driven voice – gives a vigorous representation of a versatile and sensible Anna, and Charles workman, a dazzling Ottavio, from all points of view, and in their alter egos. Tatiana Lisnic and Taras Konoschenko, give as much health and subtlety as possible to the couple of Zerlina and Masetto, and, in the role of Commendatore, Gregory Frank has all the nobility required [while] lacking some of the harmonics in the low register.

Novelty in the pit: the traditional brass were replaced by “natural” instruments, which gave the orchestra strange colours and accents, in the style of the Concertgebouw-Harnoncourt, less mellow and with more false notes. Leading this particularly effectively, Kazushi Ono is more inventive than ever, revealing thousands of details of the score without ever losing the grand vision, using the kettledrum as the baseline opting for tempos which are often unusual but always expressive, taking all the risks with art [and overcoming them].


Jorge Binaghi, http://www.operayre.com.ar/

Vivir su Vida

He visto incontables representaciones de esta ópera, buenas, muy buenas, aceptables y de las otras, pero nunca una que resultara equilibrada en su totalidad. Es difícil, y creo que siempre lo ha sido aunque recientemente la cosa se haya puesto aún más imposible. Y bien, ésta no habrá sido tampoco la función “de mi vida”, pero tiene algo que la hace única en mi experiencia: de los excelentes protagonistas que he visto (y desde Bacquier y Wächter en el Colón son algunos, por suerte), ninguno ha tenido la fuerza, el relieve tridimensional, la tensión física y dramática de este. Y vocalmente Keenlyside está,además, en su apogeo y visto cómo evoluciona su voz y sobre todo cómo es capaz de plegarla a sus exigencias confío en que sus próximos papeles nuevos (Valentín y Posa, casi nada) le permitan demostrar su capacidad sin forzar unos medios bellísimos, que han adquirido más consistencia en centro y grave sin perder la flexibilidad ni la claridad del agudo (que no haya cantado a media voz la serenata puede deberse a algunos accesos de tos que noté durante la función o a su visión del personaje). O sea que no sé si la puesta de McVicar es muy buena, sino que en ella un gran artista puede demostrar todas sus posibilidades. Que es lo que para mí debe tener siempre presente un régisseur (supuesto que tenga grandes artistas). De hecho, McVicar parece haber emprendido una marcha hacia la serenidad, aunque subsisten “detalles” que demuestran que aún le puede el genio (gente que pasa por allí en medio de algún aria, criados muy trabajados como personajes pero que sólo distraen en la cena y en el baile, y en este último, por supuesto, un poco de sexo depravadillo -porque quiere llegar a depravado, pero para eso le falta). En conjunto, un espectáculo esencial, sobrio (salvo esas pequeñas escapadas), casi negro (el mito de don Juan hoy no puede tratarse serenamente ni con alegría y luz porque lamentablemente nuestra época no lo permite, y en eso encuentro una muestra de inteligencia de McVicar), con trajes bellos y vagamente de época , ágil escénicamente y , loado sea el Señor, con espacio y tiempo suficiente para que los cantantes cuando tienen que cantar sus arias puedan hacerlo sin tener que demostrar que son saltimbanquis de circo. Incluso con telón bajado, como se hacía -correctamente- durante mucho tiempo. Y naturalmente, “Non mi dir” o “Mi tradì”, “Dalla sua pace”, “Il mio tesoro” y “Vedrai carino” (estas dos últimas aún con personajes pertinentes en escena), hacen así -estén mejor o peor cantadas-el impacto que deben. Pero vuelvo al barítono. Que un Don Giovanni pueda sentar absolutamente las característas de su personaje en la primera escena es una cosa que debería ocurrir pero que ocurre poco. Recordaré siempre entre mis momentos privilegiados esta discusión con Anna y el duelo con el Comendador: Keenlyside juntó muerte y vida en el mismo exceso, la misma avidez, al punto que la violación frustrada parecía un crimen y el crimen un acto de amor y el protagonista una fiera salvaje que saltaba sobre su presa…mientras cantaba de forma irreprochable y, sobre todo, decía unos recitativos en un italiano y con una naturalidad como si estuviera hablando en la calle. Así siguió en toda la obra, mostrándose soez pero aristocrático, vanidoso y soberbio pero también simpático. Y sobre todo dos momentos: si en la escena del cementerio me pareció haber vuelto a las épocas de Douglas Fairbans padre o de Errol Flynn (un espadachín saltarín que volaba de una tumba a la otra), en el momento de la cena, vestido informalmente como un joven adinerado que se aburre, devoró su comida, disfrutó de su vino (de un modo que hacía venir ganas de lanzarse al restaurante más próximo), se burló de la peor manera posible de Elvira, maltrató a Leporello, vaciló pero se recuperó ante el Comendador (una aparición terrorífica y repugnante, con todas sus heridas, pero menos que el ángel de la muerte que baja después para terminar con la vida del libertino), se negó con absoluta convicción a reformarse. En suma, que es -para quien no vio a London, como es mi caso- el primer don Giovanni que hace entender que su “viva la libertà” es una apuesta desmedida que incluye también la propia vida y la responsabilidad de las propias equivocaciones (e incluso de las ajenas, que a nada le hace asco este don Juan). Fuera de serie. Si el Colón quiere alguna vez volver a su buena senda y festejar su centenario como debe, entre los nombres que no deberían faltar (pero me imagino que si no se apuran van a llegar, como suelen, tarde) figura el de Keenlyside en un sitio prominente.
Claro que, con alguien así, vaya uno después a conformarse con el resto. Que no era nada malo, aunque no siempre adecuado. Sobre todo porque Kazushi Ono se empeñó en hacer de Mozart Beethoven en tiempos y en dinámica, y así la orquesta sonó bien pero muy fuerte, majestuosa, demasiado lenta o demasiado rápida y no respetó siempre el justo equilibrio con las voces. De éstas, la más italiana y franca en su canto -puede que a algunos no les parezca lo más adecuado para Mozart- que sabía su parte y la dominaba con un timbre eso sí no demasiado personal ni agradable y un agudo muy metálico fue Carmela Remigio, una decidida donna Anna, a la que sólo le faltó el trino, pero no la valentía ni la incisividad. Charles Workman fue casi su contrario. Su Octavio está muy bien cantado por técnica y estilo (no en vano ha sido el Ferrando del último “Così” dirigido por Abbado), pero la voz y la emisión resultan cada vez más artificiales, el color es siempre blanquecino, y ocasionalmente hay rigideces y algunos problemas de entonación. Es muy apuesto y tuvo un gran éxito (y pudo con los tiempos de “Il mio tesoro”), pero me parece más adecuado para las obras inglesas de Haendel. Para Haendel es también Malena Ernman, con el doble problema de que se trata de una contraltino que hasta el año pasado cantaba Zerlina y ahora ha pasado a Elvira. Con los inevitables problemas en el agudo (dos colores distintos toda la noche) y en el control del fiato. Y con el agregado de que sus mejores momentos de recitativo se parecían más a las obras serias de Haendel que a Mozart (se puede, y se debe, cantar a ambos autores, pero recordando que hay naturalmente semejanzas, pero también grandes diferencias). Zerlina en cambio tuvo la suerte de tener a una soprano, aunque más lírica que líricoligera o soubrette, u la voz de Tatiana Lisnic -que cantó magníficamente y actuó bien- resultaba ligeramente mate para la parte. Petri Lindroos estaba en el segundo elenco pero tuvo que debutar antes para sustituir a un Lorenzo Regazzo que se había engripado. Considerando los nervios inevitables, estuvo muy bien, sobre todo luego de “Madamina” , donde la emisión del agudo era dura y explosiva. La voz del bajobarítono es importante, bonita y en general bien manejada, tiene un buen italiano y se mueve bien. Y sobre todo, siendo mucho más alto que Keenlyside, no sólo no le hizo sombra sino que formó con él un dúo excelente en todas sus numerosas escenas juntos. Me da la impresión, con todo, de que hay otros papeles que pueden resultarle aún más adecuados. El Comendador de Gregory Frank fue correcto sin más (y de nuevo se plantea el problema de si la corrección basta en ciertos papeles, aunque no sean muy largos como éste), y Konoshchenko tuvo que cantar “Ho capito” con una orquesta que tocaba a lo “Fidelio”: da la impresión de un cantante y actor serio y competente, pero no muy inspirado y sobre todo monótono en la expresión. La breve intervención del coro fue, como siempre, correcta. Pero, por una vez, hubiera deseado que la obra terminara con la muerte del protagonista. De veras, traten de conseguir un video o DVD de este muchacho porque si el disco le hace justicia, no verlo significa perder casi la mitad de su importancia (quien puede pasar con tanta facilidad del sargento Belcore a Orfeo de Monteverdi y del Hamlet de Thomas -que junto a Dessay ha vuelto a llevar al triunfo, ahora en Barcelona- a este Don Juan no puede ser más que uno de los grandes del momento).



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